Paul Klee: maestro del Bauhaus

Paul Klee

 

 "Più il mondo diventa orribile, 

più l'arte diventa astratta ”- Paul Klee

 

I primi anni di vita di Klee

Paul Klee (dicembre 1879 - giugno 1940) è nato a Münchenbuchsee, un comune nel distretto di Berna-Mittelland in Svizzera. I suoi genitori erano entrambi musicisti; suo padre tedesco Hans Wilhelm Klee era un insegnante di musica e sua madre svizzera, Ida Marie Klee, era una cantante. La coppia si è incontrata quando Hans ha viaggiato dalla città tedesca di Tann al Conservatorio di Stoccarda in Svizzera per studiare pianoforte, organo, violino e canto. 

Klee e sua sorella maggiore Mathilde sono stati incoraggiati dai genitori a essere creativi sin dalla giovane età. Naturalmente, Hans e Ida hanno incoraggiato particolarmente i loro figli a sviluppare i loro talenti musicali. La famiglia si trasferì a Berna nel 1880, dopo che Hans aveva insegnato musica nel seminario statale di Berna nel piccolo villaggio di Hofwil vicino a Berna per diversi anni. All'età di sette anni, Klee iniziò a prendere lezioni di violino alla Scuola Municipale di Musica e il suo talento era così impressionante che fu invitato a suonare come membro dell'Associazione Musicale di Berna. 

Sebbene Klee mostrasse una naturale attitudine per la musica, fu anche attratto dall'arte. Da bambino ha ricevuto lezioni d'arte dalla nonna materna Anna Catharina, che gli ha insegnato a disegnare e colorare, e da adolescente Klee ha sentito che l'arte era la strada giusta per lui. Questo andava contro i desideri dei suoi genitori, che lo incoraggiavano da anni ad avere una carriera come musicista. La decisione di Klee di dedicarsi all'arte era in parte dovuta al fatto che si sentiva limitato dalle opere tradizionali del XVIII e XIX secolo che interpretava più spesso. 

 

I primi lavori dell'artista astratto Paul Klee
I firmatari alla finestra (The Artist at the Window) di Paul Klee (1909)

 

Sebbene godesse e apprezzasse le opere di compositori classici come Mozart e Bach, per Klee l'arte aveva una libertà che sentiva non avrebbe mai potuto avere con la musica e sembra che fosse preoccupato per le carriere musicali di stato in generale: "Non trovo l'idea di dedicarsi alla musica in modo creativo particolarmente attraente", ha commentato, "in considerazione del declino nella storia del successo musicale". 

Klee iniziò a disegnare e disegnare, molti dei quali dimostrarono una notevole abilità all'età di sedici anni. I suoi libri di scuola erano pieni di disegni, per lo più caricature dei suoi compagni di classe e insegnanti. È evidente che la preoccupazione di Klee per l'arte, così come la sua vasta lettura della letteratura, lo distraeva dai suoi accademici perché superava a malapena gli esami finali.

 

Scuola d'arte: Accademia di belle arti di Monaco

 

La carriera artistica di Klee iniziò quando fu accettato in una scuola privata a Monaco, in Germania, nel 1898/1899. La rispettata scuola era gestita da Heinrich Knirr, un pittore tedesco di origine austriaca rinomato per le sue scene di genere domestico e per i ritratti; il suo dipinto più famoso è il dipinto ufficiale di Adolf Hitler commissionato per il 1937 e Knirr è l'unico artista ad aver dipinto il dittatore dal vero. 



 

Dopo aver completato la sua istruzione obbligatoria, Klee iniziò a studiare arte sotto la guida di Franz von Stuck, un pittore, scultore, architetto e incisore tedesco noto per i suoi dipinti di mitologia antica. Sebbene l'abilità di Klee per il disegno sia solo migliorata, si è trovato in perdita quando si trattava di applicare il colore. Sembrava mancare di un occhio naturale per questo e si è lamentato del fatto che "durante il terzo inverno mi sono persino reso conto che probabilmente non avrei mai imparato a dipingere". Gli storici hanno ipotizzato che l'occhio vagabondo giovanile di Klee per i modelli di artisti e le donne di Monaco di classe inferiore nei bar (nel 1900 aveva un figlio illegittimo che purtroppo morì diverse settimane dopo la sua nascita) lo distrasse dal fiorire davvero a questo punto della sua carriera. 

Dopo aver completato la sua laurea in Belle Arti nel 1901, Klee e il suo amico Hermann Haller hanno viaggiato molto in Italia e in Francia, studiando le opere dei pittori classici in ogni città che hanno visitato. Sebbene ispirato da quello che vedeva come l'ottimismo del colore infuso in queste opere d'arte, la sua mancanza di una comprensione istintiva dell'applicazione del colore lo disilluse. Era fin troppo consapevole dell'estetica pessimistica dei suoi disegni in bianco e nero, molti dei quali satirici e grotteschi. 

Oltre a suonare il violino in un'orchestra locale e scrivere recensioni di teatro e concerti, Klee prese lezioni d'arte quando tornò a casa dei suoi genitori a Berna e nel 1905 aveva sviluppato diverse tecniche sperimentali. Una delle sue opere più durature in questa fase della sua carriera è un'acquaforte di suo padre, Ritratto di mio padre (1906), che creò usando un ago su un piano annerito di classe. Nello stesso anno Klee sposò Lily Stumpf, una pianista bavarese che dava lezioni di pianoforte e spettacoli mentre si prendeva cura della loro casa a Monaco, si prendeva cura del figlio Felix, nato nel 1907, e praticava la sua arte dopo aver tentato e fallito di diventare una rivista illustratore. La sua prima mostra nel 1910 esponeva varie opere di acqueforti su lastra di zinco, che chiamò affettuosamente "Invenzioni". 

"Il ritratto di mio padre" di Paul Klee

Ritratto di mio padre (1906) di Paul Klee 

 

Anni 1910: sviluppo di Klee come artista

 

La mostra "Invenzioni" di Klee gli ha dato una nuova prospettiva di vita. Klee ha acquisito diversi preziosi rapporti all'inizio di questo decennio, tra cui Alfred Kubin, che ha incoraggiato la tendenza di Klee per l'assurdo e sarebbe diventato uno dei primi collezionisti di Klee, il critico d'arte Wilhelm Hausenstein, e artisti contemporanei tra cui Wassily Kandinsky. Era un membro della fondazione e in seguito direttore dell'Unione degli artisti di Monaco nel 1911, e nell'inverno del 1911 era entrato a far parte della redazione di Kandinsky e Franz Marc per il loro almanacco Der Blaue Reiter. Klee apprezzava profondamente la sua amicizia con Kandinsky, osservando in seguito che "aveva iniziato a provare una profonda fiducia in lui. È qualcuno e ha una mente eccezionalmente bella e lucida ”. 

Klee ha preso parte a numerose mostre negli anni a venire, tra cui una alla Galerie Goltz dove sono state esposte diciassette delle sue opere grafiche, e alla galleria Der Sturm di Herwarth Walden e all'Erster Deutscher Herbstsalon (il primo salone autunnale tedesco) a Berlino. Ha anche pubblicato scritti sulla storia dell'arte. 

Le mostre hanno aiutato Klee a comprendere appieno l'applicazione del colore nell'arte e ha abbracciato nuove e moderne teorie del colore. Ha molto ammirato il vibrante lavoro cubista dominante a Parigi e arte astratta che vedeva come "pittura pura". Questi lavori lo ispirarono a sperimentare con gli acquerelli e presto iniziò a incorporare solidi blocchi di colore nel suo lavoro. Dopo aver visitato la Tunisia nel 1914, Klee si innamorò della qualità della luce del paese. Questa è stata la sua svolta: "Il colore si è impossessato di me", ha dichiarato, "Il colore e io siamo uno. Sono un pittore". 



 

Quando tornò a casa, Klee applicò la sua ritrovata comprensione del colore alla sua arte e presto produsse un puro lavoro astratto caratterizzato da triangoli e cerchi colorati. Gli storici dell'arte associano questo lavoro al background musicale di Klee, sostenendo che la tavolozza dei colori di Klee denota una chiave musicale, creando essenzialmente un'armonia di colori. Era una prospettiva del tutto unica che solo Klee poteva creare. 

Quando scoppiò la Grande Guerra nel 1914, Klee non si arruolò immediatamente. Rimase indifferente fino alla morte dei suoi amici August Macke e Franz Marc, morti in battaglia. Ha espresso i suoi sentimenti in varie litografie a penna e inchiostro a tema bellico prima di arruolarsi all'inizio del 1916. Klee ha continuato a creare arte durante la guerra, producendo alcune delle sue migliori opere; il suo uso dell'acquerello su garza e carta in Ab ovo (1917) è particolarmente bello, così come il suo mix di colori soppressi in Avvertimento delle navi (1917). 

Ab ovo di Paul Klee
Ab ovo (1917) di Paul Klee (via Wikicommons)

 

Anni '1920: maestro del Bauhaus

 

Il lavoro di Klee non è passato inosservato. Nel 1919 fu firmato dal gallerista di Monaco Hans Goltzand e divenne membro del consiglio delle arti visive di Monaco e del suo Aktionsausschuss Revolutionäre Künstler (comitato d'azione degli artisti rivoluzionari). La sua dedizione allo smantellamento della rappresentazione tradizionale e realistica nell'arte e all'adozione di uno stile moderno e metafisico attirò l'attenzione di Walter Gropius, che nominò Klee allo Staatliche Bauhaus di Weimar.

 

Era questo appuntamento che avrebbe reso Klee una figura indimenticabile dell'arte moderna. 

Il movimento Bauhaus proviene dall'interno della Staatliche Bauhaus. Era fondato sul principio tedesco di Opera d'arte totale, un'opera d'arte che utilizza tutte o più forme di opera d'arte, un onnicomprensivo, totale opera d'arte. “Weimar era il luogo in cui Gropius pose le basi per il Bauhaus a venire”, spiega Kelly Richman-Abdou, “è lì che stabilì ideali che sarebbero stati considerati visionari per l'epoca. L'arte, secondo il suo manifesto e il programma, dovrebbe svolgere un ruolo sociale e non dovrebbe più esserci una divisione delle discipline artigianali ”.

 Le caratteristiche distintive dello stile Bauhaus, sia nell'arte che nell'architettura, riflettono il periodo in cui si è sviluppato, gli anni '1920. Dopo gli orrori della Grande Guerra, la gente desiderava prosperità, libertà di espressione, vita senza limitazioni sociali o politiche. Il Bauhaus non era diverso. Ha cercato di cambiare il modo in cui le persone percepivano l'arte enfatizzando la funzionalità piuttosto che l'ornamentazione, l'asimmetria piuttosto che la simmetria e schemi di colori semplici, spesso primari.Non mirava a rappresentare la realtà ma piuttosto esplorazioni non limitate al materiale, e risposte istintuali ed emotive a opere d'arte. 




Manifesto della mostra Bauhaus Weimar (1922-23) di Rudolf Baschant

Accanto a Klee, la Staatliche Bauhaus aveva diversi artisti contemporanei al loro servizio negli anni '1920, tra cui Wassily Kandinsky, Johannes Itten, Lyonel Feininger e László Moholy-Nagy. 

Sono stati Klee e Kandinsky a formulare davvero le basi dell'arte astratta attraverso le loro varie conferenze e lezioni pratiche, e la loro enfasi sull'arte come cosa animata - Klee ha descritto disegnare una linea come "andare a fare una passeggiata" - ha infuso le loro opere e le opere dei loro studenti con intensa emozione. Klee ha prodotto molti pezzi ispirati alla musica durante il suo tempo alla Staatliche Bauhaus, con opere d'arte piene di elementi musicali come strutture ritmiche e classiche di spartiti e segni e simboli che suggerivano note musicali. 

 

1930: L'ultimo decennio di Klee 

 

Klee insegnò all'Accademia di Düsseldorf dal 1931 al 1933, dove sentì la "potenza e la forza" del partito nazista. Come molti artisti che all'epoca andavano contro i valori conservatori, Klee fu attaccato da un giornale nazista, che scrisse “quel grande individuo Klee entra in scena, già famoso come insegnante di Bauhaus a Dessau. Dice a tutti che è un arabo purosangue, ma è un tipico ebreo galiziano ”. 

Paul Klee "Why Does he run? (Was läuft er?)" Acquaforte

Perché corre? (Was läuft er?) (1932) di Paul Klee (via Wikicommons)

 

L'arte di Klee fu ritenuta degenerata dal partito nazista e dopo che la sua casa fu saccheggiata dalla Gestapo, fu licenziato dall'Accademia di Düsseldorf. Il suo dipinto del 1933, un autoritratto dal titolo Colpito dalla lista, ricorda l'evento: il suo palato di colore monocromatico è malinconico e il suo uso delle linee significa lacrime. I nazisti sequestrarono oltre 100 dipinti di Klee.

Paul Klee "Colpito dalla lista" 1933

Colpito dalla lista (1933) di Paul Klee (via Wikiart)

 

Il 1933 non migliorò per Klee. Sebbene stesse creando molte opere d'arte - 500 in un solo anno - iniziò a manifestare sintomi di quella che sarebbe stata diagnosticata post-mortem come Sclerodermia, un gruppo di malattie autoimmuni che possono causare cambiamenti nella pelle, nei vasi sanguigni, nei muscoli e organi interni. Intorno al 1933 o al 1934, Klee aveva tenuto mostre d'arte a Londra e Parigi - dove finalmente incontrò Pablo Picasso - e alla fine del 1933 emigrò la sua famiglia in Svizzera.

La salute di Klee oscillava, così come la sua produzione creativa; creò 25 opere d'arte nel 1936 ma oltre 1,200 nel 1939. Il suo stile cambiò con il passare degli anni, incorporando linee più spesse e blocchi di colore meno ma più grandi. Cambiava regolarmente la sua tavolozza di colori, alternando ottimista e pessimista. Verso la fine della sua vita, il suo lavoro rifletteva il suo dolore; il suo dipinto del 1940 Morte per fuoco contiene un teschio al centro con la parola tedesca per la morte, "Tod", in faccia. 

Paul Klee morì il 29 giugno 1940 in Svizzera. Suo figlio Felix aveva la seguente citazione incisa sulla lapide di suo padre: “Non posso essere afferrato qui e ora, perché la mia dimora è tanto tra i morti quanto i non ancora nati. Un po 'più vicino al cuore della creazione del solito, ma ancora non abbastanza vicino ”. 




 

Il critico surrealista René Crevel ha proclamato Klee "sognatore" che "libera uno sciame di piccoli pidocchi lirici da misteriosi abissi".

Parlando di com'è vivere il lavoro di Klee, l'artista franco-americano Marcel Duchamp ha detto: "La prima reazione di fronte a un dipinto di Klee è la scoperta molto piacevole, ciò che ognuno di noi avrebbe potuto o avrebbe potuto fare, provare a disegnare come in la nostra infanzia. La maggior parte delle sue composizioni mostra a prima vista un'espressione semplice e ingenua, che si trova nei disegni dei bambini. […] In una seconda analisi si può scoprire una tecnica, che prende come base una grande maturità nel pensiero. Una profonda conoscenza del trattare con gli acquerelli per dipingere un metodo personale ad olio, strutturato in forme decorative, ha permesso a Klee di distinguersi nell'arte contemporanea e di renderlo incomparabile. D'altra parte, il suo esperimento è stato adottato negli ultimi 30 anni da molti altri artisti come base per nuove creazioni nelle più diverse aree della pittura. La sua estrema produttività non mostra mai segni di ripetizione, come di solito accade. Aveva così tanto da dire che un Klee non è mai diventato un altro Klee ”.

 

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